Lukisan Dinding Still Life dari Rumah Rusa di Herculaneum

Lukisan Dinding Still Life dari Rumah Rusa di Herculaneum


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.


Karya Hebat: Still Life with Peaches (c AD50) Anon

Seni klasik sering diberi status klasik. Karya-karya orang Yunani dan Romawi kuno telah diambil oleh banyak seniman kemudian sebagai contoh tertinggi. Setidaknya itu berlaku untuk patung dan bangunan mereka. Tapi ketika datang ke lukisan, ada masalah. Sangat sedikit yang tersisa, dan yang tersisa membingungkan.

Misalnya, kami tidak tahu siapa yang melukis Still Life with Peaches ini. Kami tidak tahu apa karya lain pembuatnya, dan hanya gagasan yang sangat terbatas tentang karya-karya sezaman. Orang Romawi yang masih hidup yang bertahan sebagian besar datang, seperti ini, dari Pompeii dan Herculaneum.

Lukisan-lukisan itu adalah lukisan mural yang diawetkan (ironisnya) oleh lahar Vesuvius, sedangkan lukisan-lukisan di kota-kota lain, seperti Roma sendiri, hancur atau pudar. Apakah seni kedua kota provinsi ini lebih rendah daripada seni ibu kota? Jika kita melihat lukisan Romawi asli, apakah itu akan membuat karya yang bertahan terlihat sangat rata-rata? Atau apakah ini sebagus yang didapat?

Still Life with Peaches berasal dari sebuah ruangan di Herculaneum. Itu bukan gambar yang berdiri sendiri. Seperti benda mati lainnya, ia dipasang di dinding di antara lanskap, narasi, dekorasi. Tapi itu menempati bagian persegi yang berisi. Dan itu menggunakan konvensi benda mati Romawi standar, tingkat ganda (kadang-kadang tiga kali lipat): benda-benda diatur di tangga atau ambang jendela.

Subjeknya adalah benda mati yang normal, potongan-potongan biasa: sekelompok buah persik hijau, dengan ranting melengkung dan daun keriting, dan botol kaca. Ada sedikit kerusakan dan memudar, tapi tidak ada yang merusak. Kita bisa melihat buktinya. Itu terlihat akrab. Kita harus bisa menilai. Tapi sebenarnya sulit untuk mengatakan apakah karya ini bagus atau tidak. Kami tidak bisa berbicara bahasanya atau menangkap nadanya.

Still Life with Peaches percaya pada desain yang berani dan sederhana. Ini memiliki tampilan "seni modern". Ada kontras warna yang dominan, hijau limau dan coklat kemerahan, kuat dan manis. Ada komposisi putaran dan batang – komposisi "keseluruhan", di mana bagian atas gambar memiliki bobot yang sama beratnya dengan bagian bawah (keuntungan dari perangkat langkah). Ranting melengkung dari atas ke bawah. Daun menggulung dalam pola yang elegan.

Dengan kata lain, ada mata yang canggih di tempat kerja. Dan pada saat yang sama, ada tangan yang hampir tidak kompeten. Penggambaran buah-buahan berantakan. Mereka tidak datar atau padat, dan kontur mereka sangat tidak pasti. Bayangan yang ditimbulkan oleh semuanya bergumpal. Mereka benar-benar gagal – titik utama bayangan – untuk menempelkan objek ke permukaan di bawahnya.

Campuran keterampilan dan kecerobohan ini membuat Anda bertanya-tanya: artis seperti apa yang melakukannya? Seorang amatir yang memiliki beberapa pukulan keberuntungan? Atau hack di akhir tradisi, siapa yang setengah lupa bagaimana melakukannya? Ambil dua buah persik yang sudah dibelah. Mereka memiliki beberapa efek volumetrik yang rapi dalam pikiran: cekung yang diambil dari cembung. Ide visualnya cerdas. Seseorang bisa melakukannya dengan luar biasa. Artis ini tidak bisa membuatnya bekerja.

Benda yang paling indah dan membingungkan adalah botol kaca berisi air. Ini menempatkan dirinya masalah gambar lain: untuk menggambarkan transparansi, satu elemen transparan di dalam yang lain. Ini menyelesaikannya dengan sangat ekonomis, dengan gambar yang dibuat murni dari sorotan, garis-garis putih. Ada yang lebih berani, ada yang lebih redup, ada yang lebih tajam, ada yang lebih lembut, saat mereka menonjolkan permukaan, bagian dalam dan luarnya. Setiap pukulan tiba-tiba, titik pamer. Seolah-olah seniman tidak hanya mengetahui trik bergambar yang diperlukan untuk melakukan segelas air, tetapi secara sadar menikmati kinerja kode.

Tapi kemudian lihat aspek lain dari labu dan cara melukisnya. Lihatlah "perspektif" bentuknya. Ini adalah benda bulat, mungkin, dan dilihat dari sudut. Tepi leher, lingkar permukaan air, dasar labu – semuanya harus berbentuk oval. Tapi artis tidak bisa melakukan oval yang tepat. Mereka semua tidak teratur. (Bentuk umum dari garis labu juga miring.) Atau lagi, lihat bagaimana mulut labu cukup lebar "oval", seolah-olah dilihat dari atas, sedangkan alasnya ditunjukkan langsung ke samping. , seolah-olah dilihat dengan mata sejajar dengannya.

Teka-teki itu kembali. Dalam beberapa hal objek ini digambarkan dengan keterampilan, dengan kecanggihan. Anda mungkin berpikir itu dilakukan dengan semacam permainan atau ironi, seolah-olah setiap goresan sorotan memiliki koma terbalik di sekitarnya. Namun, dengan cara lain, itu dibuat dengan kasar dan kikuk, seolah-olah artis itu naif. Atau lagi, mengingat kecanggihan di tempat lain, mungkin ini sebenarnya naif palsu.

Siapa tahu? Apakah ini karya pelukis lambang pub yang lamban? Atau Hockney abad pertama yang menyenangkan? Kecuali lebih banyak lukisan Romawi muncul, untuk memungkinkan perbandingan, kami tidak akan pernah tahu. Yang bisa kami katakan untuk saat ini adalah bahwa Still Life with Peaches adalah pekerjaan yang canggung dan kasus yang canggung. Seperti lukisan klasik lainnya yang masih hidup, lukisan ini tidak memiliki kesempurnaan patung klasik yang tenang dan berwibawa. Ini mungkin memiliki karisma klasik: karena hanya itu yang harus kami lakukan, kami memanfaatkannya sebaik mungkin. Tapi klasik tidak.

Pliny the Elder dan lukisan klasik

Pliny the Elder (23-79) adalah seorang Romawi dengan banyak pencapaian. Dia tetap terkenal karena dua alasan, keduanya karena kecelakaan. Yang pertama adalah hilangnya hampir seluruh lukisan periode klasik. Kita tidak bisa melihat banyak. Kita harus membacanya di 'Natural History' karya Pliny. Ensiklopedia universal ini memiliki bagian yang dikhususkan untuk melukis. Pliny mendaftar ratusan pelukis dengan prestasi mereka.

Dia menyebutkan Piraeicus, pelindung semua seniman yang mengubah rupa sehari-hari: "Subjeknya adalah toko tukang cukur, kios tukang sepatu, keledai, makanan, dan sejenisnya. Lukisannya, bagaimanapun, sangat menyenangkan, dan telah dijual dengan harga lebih tinggi daripada lukisannya. karya terbesar dari banyak master." Klaim lain Pliny untuk ketenaran adalah kematiannya. Dia terbunuh dalam letusan Vesuvius, yang menghancurkan Pompeii, tetapi melestarikan banyak seninya, seperti benda mati ini.


File:Fresco yang menggambarkan perburuan Cupid, dari cryptoporticus Rumah Rusa di Herculaneum, Empire of colour. Dari Pompeii ke Gaul Selatan, Musée Saint-Raymond Toulouse (16278133531).jpg

Klik pada tanggal/waktu untuk melihat file seperti yang muncul pada waktu itu.

Tanggal WaktuGambar kecilUkuranPenggunaKomentar
saat ini07:35, 19 Januari 20151.954 × 1.254 (1,91 MB) Butko (bicara | kontrib) Ditransfer dari Flickr melalui Flickr2Commons

Anda tidak dapat menimpa file ini.


Sejarah Herculaneum

Herculaneum lebih kecil dari tetangga dekatnya, Pompeii - tetapi sejarahnya masih signifikan. Sebuah kota pantai kecil, seperempat dari ukuran tetangga komersialnya yang sibuk, Herculaneum juga kuno. Oscans, Samnites dan Yunani semua meninggalkan jejak mereka pada tata letak Herculaneum —bahkan namanya. Tapi, itu sebagai orang Romawi kotamadya bahwa Herculaneum mencapai puncaknya ketika menjadi resor tepi laut yang populer. Faktanya, Herculaneum menjadi tempat peristirahatan musim panas yang populer bagi elit Romawi — sebelum, seperti Pompeii — letusan Vesuvius menghancurkannya pada tahun 79 M.

Detail lukisan berjudul Hercules and Telephos. Lukisan Romawi di Augusteum (disebut Basilika) di Herculaneum. Kredit Gambar: Wikimedia Commons. Area publik

Yayasan Herculaneum

Menurut Andrew Wallace-Hadrill, Direktur Proyek Konservasi Herculaneum, tidak ada sisa-sisa arkeologis Herculaneum yang berasal dari abad keempat SM. Namun, sumber-sumber kuno menunjukkan bahwa kota kecil itu memiliki fondasi kuno — bahkan mitos. Dionysius dari Halicarnassus mengklaim bahwa pahlawan Yunani Herakles mendirikan Herculaneum —secara kebetulan, mitos dasar yang mirip dengan mitos Pompeii di dekatnya.

Namun, kemungkinan Hercualneum mendahului orang Yunani beberapa abad. Lokasinya, di sebuah tanjung yang menghadap ke laut di lereng Vesuvius, menjadikannya tempat yang sempurna untuk pemukiman yang mudah dipertahankan yang dapat memanfaatkan laut untuk memancing dan tanah subur di sekitarnya untuk pertanian. Tidak heran ahli geografi Strabo menyebut daerah itu sebagai “kesuburan negara”. Tidak mungkin pemukim awal akan menunggu pahlawan Yunani untuk menyetujui tanah itu sebagai pemukiman.

Strabo mengklaim Oscans pertama kali menetap di Herculaneum. Mereka diikuti oleh Etruria yang mendominasi sebagian besar Campania pada abad keenam SM. Merekalah yang memanfaatkan sebagian besar lokasi pesisir Herculaneum, meningkatkan perdagangan lewat di kota. Baru pada abad kelima SM Herculaneum menjadi tunduk pada pengaruh Yunani. Pada tahun 474 SM, pemukim Yunani dengan tegas menguasai Campania, menandai daerah tersebut sebagai milik mereka dengan berdirinya kota-kota baru. Sangat dekat dengan Herculaneum, mereka mendirikan "kota baru" mereka yang kemudian dikenal sebagai Napoli. Pemukim Yunani ini juga membuat jejak mereka di Herculaneum. Rencana jalan seperti jaringan pemukiman kecil menggemakan tetangganya yang lebih besar.

Pemandangan Jalan Rumah Samnite, Herculaneum. Kredit Gambar: Arsip Nasional Belanda, Wikimedia Commons. Creative Commons CC0 1.0 Dedikasi Domain Publik Universal.

Herculaneum Samnit

Pada abad keempat, Herculaneum telah jatuh di bawah pengaruh Samnite dan kota itu menjadi bagian dari Liga Nucerine. Seiring dengan sisa Liga, Herculaneum menjadi masyarakat atau sekutu Roma pada 307 SM.

Abad kedua SM adalah masa booming bagi Samnite Herculaneum. Arkeologi menunjukkan gaya arsitektur yang berkembang ketika rumah-rumah Herculaneum mulai berevolusi dari rumah-rumah Oscan yang gelap dan padat dengan jendela dan pintu kecil, ke rumah-rumah berkoloni yang lebih luas dengan taman dan lantai atas. Sisa-sisa zaman ini masih bertahan di Herculaneum, seperti Rumah Samnite dan Rumah Partisi Kayu.

Pada tahun 91 SM, pecahnya Perang Sosial menghancurkan kedamaian Herculaneum ketika sekutu Italic Roma memberontak melawannya. Namun, itu adalah gerakan yang sia-sia. Roma menang dan pada 89 SM, Titus Didius, seorang utusan diktator Sulla, memimpin penaklukan Herculaneum. Namun, alih-alih menandai penurunan yang memalukan, penaklukan adalah pembuatan Herculaneum.

Lantai mosaik Romawi dari pemandian wanita, Herculaneum. Kredit Gambar: Natasha Sheldon (2007) Hak cipta dilindungi undang-undang.

Herculaneum Romawi

Herculaneum sekarang menjadi bagian dari negara Romawi, mengambil status a kotamadya atau kota provinsi. Kota ini sekarang memasuki fase paling makmur dalam sejarahnya. Bangsa Romawi menyediakan Herculaneum dengan jalan beraspal, selokan, teater baru dan basilika - semua ornamen kota Romawi.

Mengapa perhatian Roman begitu banyak — dan uang — di Herculaneum? Bagaimanapun, kota itu tidak lebih dari sebuah desa jika dibandingkan dengan kota komersial Pompeii yang makmur. Menurut Andrew Wallace Hadrill, Herculaneum tidak lebih dari 15-20 hektar sehingga hanya seperempat dari ukuran tetangga dekatnya dengan hanya beberapa ribu penduduk. Kota kecil itu bukanlah pelabuhan utama dan selain dari pertanian dan pemeliharaan anggur memiliki sedikit arti komersial. Namun setelah gempa bumi tahun 62 M yang menghancurkan kota-kota di sekitar Vesuvius, perbaikan sipil Herculaneum dibiayai oleh subsidi dari pemerintah Romawi.

Taman Rumah Rusa, Herculaneum. Gambar Kredit Natasha Sheldon (2007) Hak Cipta Dilindungi Undang-Undang.

Resor Liburan Romawi

Arti penting Herculaneum bagi orang Romawi adalah kesenangan daripada bisnis. Pada abad pertama SM, Teluk Napoli menjadi tempat liburan yang populer karena mata air vulkaniknya di tempat-tempat seperti Baiae dan Solfatara dekat Napoli. Orang Romawi kaya yang bertekad untuk menyembuhkan penyakit mulai berduyun-duyun ke teluk di musim panas dan garis pantai wilayah itu perlahan-lahan menjadi didominasi oleh vila-vila orang kaya dan aristokrat. Herculaneum kecil, eksklusif dan diberkati dengan angin musim panas yang hangat dan pemandangan pantai yang spektakuler. Menurut Strabo, itu sempurna”tempat tinggal yang sehat” dan melarikan diri dari panasnya musim panas Roma yang tak tertahankan.

Herculaneum dengan cepat menjadi tempat peristirahatan elit Romawi. Konsul, Appius Claudius Pulcher mengadakan peristirahatan pedesaan di Herculaneum dan salah satu tempat tinggal paling terkenal di kota itu, Villa Papirus, telah diidentifikasi sebagai bekas rumah politisi, filsuf Epicurean — dan ayah mertua Julius Caesar, L Calpurnius Piso.

Penghancuran Pompeii dan Herculaneum oleh John Martin (c 1821) Domain Publik

Letusan Vesuvius

Salah satu vila elit Romawi ini merupakan pusat catatan Plinius Muda tentang letusan Vesuvius pada tahun 79 M yang secara tiba-tiba mengakhiri keberadaan Herculaneum. Pada pagi hari letusan, penulis dan Laksamana armada Romawi, Pliny the Elder, menerima pesan dari Rectina, istri Tascius. Surat itu meminta Piny untuk berlayar menyeberangi teluk untuk menyelamatkan Rectina dan keluarganya dari rumahnya di kaki gunung. (Surat Plinius Muda, Bk VI.16).

Pliny yang lebih tua berangkat, tetapi dia tidak pernah berhasil. Tidak dapat mengarungi perairan teluk yang dengan cepat menjadi penuh dengan batu apung, dia meninggal di Stabiae tempat dia berlindung.

Namun, terlepas dari urgensi pesan Rectina, Herculaneum sendiri pada awalnya tidak terlalu terpengaruh oleh letusan, hanya menyisakan sedikit abu. Ini semua berubah pada tengah malam ketika yang pertama dari enam gelombang piroklastik gas panas dan aliran meninggalkan gunung berapi dan menuju ke Herculaneum.

Ledakan piroklastik menghantam kota dalam waktu empat menit. Kecepatan awan gas panas begitu besar, itu mengangkat patung-patung dari alasnya, meninggalkan sisa-sisa mereka yang hancur agak jauh. Itu juga menggulingkan serambi palestina dan mengangkat ubin dari atap. Gelombang itu begitu panas sehingga membuat kayu di kota menjadi karbon dan menyebabkan laut mendidih ketika mencapai tepi laut. Panas yang hebat juga membunuh penduduk yang tersisa secara instan.

Akhirnya, Herculaneum terkubur di bawah 20 meter abu yang bercampur dengan air untuk membentuk tanah longsor. Tanah longsor tersebut mengeras membentuk batuan tufa yang membungkus dan mengawetkan Herculaneum. Mereka juga meluncur ke pelabuhan, memperpanjang garis pantai dari kota.

Tidak ada pemukiman lain yang muncul di situs Herculaneum sampai abad kesepuluh ketika kota abad pertengahan Resina didirikan. Resina tidak memiliki prestise elit pendahulunya yang kuno — dan telah kehilangan pemandangan lautnya. Namun, di bawahnya, terbentang Herculaneum kuno, menunggu untuk ditemukan kembali.

Capasso, Gaetano, (2005) Perjalanan ke Pompeii. Teknologi Budaya Capware

Hadrill, Andrew Wallace, (2011) Herculaneum Masa Lalu dan Masa Depan. Frances Lincoln Terbatas: London

Hornblower, S dan Spawforth, A (eds) (1999) Kamus Klasik Oxford (Edisi Ketiga) Pers Universitas Oxford.

Pirozzi, Maria Emma Antonietta, Herculaneum: Penggalian, Sejarah Lokal dan Sekitarnya. Pirozzi. Elektro Napoli.

Radice, B (trans) (1969) Surat-surat Plinius Muda. Buku Pinguin

Roberts, Paul (2013) Hidup dan Mati di Pompeii dan Herculaneum, Museum Inggris


Riwayat berkas

Klik pada tanggal/waktu untuk melihat file seperti yang muncul pada waktu itu.

Tanggal WaktuGambar kecilUkuranPenggunaKomentar
saat ini07:35, 19 Januari 20151.985 × 1.244 (1,78 MB) Butko (bicara | kontrib) Ditransfer dari Flickr melalui Flickr2Commons

Anda tidak dapat menimpa file ini.


Masih Hidup

Sekitar 2.000 tahun yang lalu, seseorang melukis gambar kendi kaca dan empat buah persik hijau di dinding sebuah rumah di Herculaneum, sebuah kota di tepi yang sekarang disebut Riviera Italia. Dua buah persik terbelah, biji kacangnya terletak di daging buah seperti komet halo. Pada saat lukisan, buah persik akan dianggap eksotik orang yang lebih akrab dengan anggur, apel, pir, plum, aprikot, buah ara atau delima. Sebagian besar makanan yang sekarang kita anggap remeh tidak dikenal dua milenium yang lalu: wortel tidak memiliki warna yang sama seperti sekarang jeruk tidak diperkenalkan ke Italia sampai akhir abad ke-15. Meskipun Alexander Agung pertama kali membawa buah persik ke Eropa setelah ia menaklukkan Persia pada abad ketiga SM, buah ini hanya menjadi populer di Kekaisaran Romawi sekitar waktu lukisan ini dibuat. Ini adalah representasi buah persik yang paling awal diketahui.

Kami tidak tahu siapa yang melukis gambar ini atau mengapa. Kita tahu bahwa lukisan dinding dikenal sebagai xenia — kata Yunani yang berarti 'keramahan', yang diadopsi oleh orang Romawi sebagai kategori lukisan yang terkait dengan pemberian hadiah kepada pengunjung — adalah inkarnasi awal dari apa yang sekarang kita sebut benda mati, dan biasanya ditemukan di ruang resepsi . Subyek populer termasuk hewan mati, tergantung dari kait, siap untuk pot, serta keranjang buah, telur dan sayuran. Namun, Norman Bryson, dalam bukunya Melihat Yang Terlupakan (1990), memperingatkan bahwa: 'Tepatnya karena mereka tampak begitu dekat isinya dengan lukisan benda mati di kemudian hari, mereka [xenia] dengan mudah dihilangkan dengan gambar yang dihasilkan dalam kondisi budaya yang sangat berbeda […] xenia pada dasarnya datang kepada kita sebagai kehancuran. '

Still Life dengan Persik dan Toples Air keduanya benar-benar akrab dan benar-benar asing. Namun, terlepas dari jarak budaya dan waktu kami dari penduduk Herculaneum, kami memiliki beberapa kesamaan dengan mereka: buah persik, kendi air, sinar matahari — ini bisa menjadi meja saya, hari ini. Juga aman untuk berasumsi bahwa pada zamannya lukisan dinding sederhana ini, dalam arti tertentu, akan menjadi sentuhan sombong: itu menyatakan bahwa pemilik rumah tidak hanya terbuka untuk sensasi baru yang modis, seperti rasa buah persik. , tetapi mereka juga memiliki sarana untuk mewakili mereka.

Cahaya memantul dari kaca. Herculaneum adalah permata kota yang dicium matahari, populer di kalangan pembuat liburan Romawi. Menulis ini pada hari kelabu di London, lukisan itu — disentuh dengan cahaya keemasan — menggoda. Namun terlepas dari pesonanya, itu canggung: bandingkan perspektif kendi yang miring dan buah persik berbentuk mata yang aneh yang mengapung dengan canggung di atasnya dengan patung klasik mempesona yang sedang dibuat pada saat itu. Dan mengapa buah persik berwarna hijau? Apakah mereka mentah? Apakah warna (lukisan, buah persik) berubah selama bertahun-tahun atau apakah pelukisnya salah — dan apa arti gagasan 'salah' di sini? Mungkin pemilik rumah menugaskan seorang teman seniman yang sedang berjuang untuk melukisnya? Mungkin rumah tangga tidak mampu membeli pelukis terbaik di kota? Mungkin mereka surealis kuno yang senang dengan terjemahan amatir dari adegan sehari-hari? Siapa tahu?

Pada tahun 79 M, Gunung Vesuvius meletus, memuntahkan gelombang pasang mematikan dari batuan dan gas yang sangat panas di atas kota-kota yang terletak di dasarnya. Herculaneum, dan semua orang di dalamnya, musnah dalam sekejap. Keganasan bencana hampir tidak dapat dibayangkan: gunung itu melepaskan 100.000 kali energi panas dari pengeboman Hiroshima. Itu mengubur Herculaneum di bawah 24 meter abu — hampir 20 meter lebih banyak dari tetangga kota, Pompeii — yang membentuk segel kedap udara di atas situs selama hampir dua milenium, melestarikan bangunan, tempat tidur, buaian, pintu, lukisan, bahkan roti berkarbonasi. dan semangkuk buah ara (keduanya termasuk dalam pameran baru-baru ini 'Life and Death: Pompeii and Herculaneum' di British Museum di London) — dan, tentu saja, lukisan dinding ini. Penggalian baru dimulai pada awal abad ke-18 dan bahkan hari ini, dua pertiga dari Herculaneum tetap terkubur. Sungguh sebuah paradoks bahwa kehancuran seperti itu seharusnya melestarikan hal yang begitu halus. Sangat sedikit lukisan dinding Yunani Kuno yang bertahan dari lukisan Romawi karena bencana.

Pada tahun 1871, Gustave Courbet yang berusia 52 tahun dipenjara selama enam bulan karena keterlibatannya dengan Komune Paris — partai revolusioner yang memerintah Prancis selama dua bulan pada tahun itu. Dia didakwa dengan perannya dalam penghancuran Kolom Vendôme, yang didirikan pada tahun 1806 di Paris oleh Napoleon I untuk memperingati Pertempuran Austerlitz. Kolom itu mewakili semua yang dibenci Courbet: kurangnya orisinalitas, perayaan penaklukan, nostalgia dinasti kekaisaran yang brutal. Terkenal karena lukisannya yang sangat besar seperti Pemecah Batu, Pemakaman di Ornans (keduanya 1849 – 50) dan Studio Artis, alegori nyata yang merangkum tujuh tahun kehidupan artistik dan moral saya (1854 – 5), Courbet sepanjang hidupnya mencerca kemunafikan, agama, dan hak istimewa yang tidak diterima, sambil menuntut agar seni mencerminkan realitas orang biasa. Pada tahun 1861, ia dengan terkenal menyatakan dalam sebuah surat kepada sekelompok siswa: 'Seni dalam seni lukis seharusnya hanya terdiri dari representasi hal-hal yang terlihat dan nyata [...] Sebuah zaman yang belum mampu mengekspresikan dirinya melalui senimannya sendiri, tidak memiliki hak untuk diekspresikan oleh seniman luar.'

Ketika dia berada di penjara, saudara perempuan Courbet, Zoe, mengunjunginya secara teratur, membawa buah dan bunga. Pada awalnya menolak bahan, Courbet akhirnya diizinkan cat dan kanvas. Dia melukis Still Life dengan Apel dan Delima (1871 – 2) saat berada di balik jeruji besi. Dibandingkan dengan lukisan-lukisan besar yang membuatnya terkenal, itu adalah gambar sederhana dari buah yang diterangi dengan lembut dalam mangkuk terakota yang pecah di samping tangki logam. Beberapa orang dibuat bingung oleh lukisan benda mati yang dibuat Courbet di penjara, mempertanyakan mengapa dia tidak menanggapi lebih langsung kekacauan yang terjadi di jalanan Paris. Saya tidak tahu apa yang ada dalam pikiran Courbet saat ini, tetapi saya menduga bahwa fakta bahwa 30.000 rekan komunardnya dieksekusi, 38.000 dipenjara, dan 7.000 dideportasi ke Kaledonia Baru mungkin telah meredam semangat revolusionernya untuk sesaat — dia berada di tidak ada posisi untuk mengambil risiko menentang pihak berwenang.

Namun tidak mengurangi pencapaian lukisan ini. Meskipun still life secara tradisional dianggap sebagai genre terendah (setelah lukisan potret, lanskap, dan sejarah), ia muncul kembali di Prancis pada pertengahan abad ke-19. Pada awal tahun 1860-an, galeri Louis Martinet di Paris telah memajang 40 lukisan karya Jean-Baptiste-Siméon Chardin - seorang ahli lukisan alam benda - yang telah terbukti sangat populer pada tahun 1870, douard Manet bahkan melukis penghormatan pada lukisan brioche karya Chardin. Meskipun Courbet telah, pada awal 1860-an, membuat sekelompok kecil lukisan bunga selama tinggal dengan seorang teman hortikultura (gambar yang menyenangkan seperti apel ini suram), sampai penjara dia tidak pernah melukis buah. Sejarawan seni termasuk Michael Fried telah membaca buah Courbet sebagai pengganti orang — yaitu, apel-apel berdesakan bersama dalam kondisi yang sempit seperti yang dialami pelukis. Meskipun mungkin, menurut saya, itu adalah bacaan yang terlalu literal. Saya tidak ragu bahwa Courbet trauma dengan pengalamannya di penjara: pengetahuan yang dia miliki — di hari-hari berdarah sebelum pemenjaraannya — menghindari eksekusi pastilah menghantui mimpinya. Saya membayangkan betapa terapeutiknya baginya untuk berkonsentrasi pada rendering, serealistis mungkin, sesuatu yang langsung seperti sepotong buah. Namun, terlepas dari subjek yang sederhana, ada sesuatu yang heroik tentang lukisan ini. Ke-15 apel itu kasar, tidak sempurna, warnanya tidak merata, namun tidak ada yang lemah atau mengasihani diri sendiri tentang atmosfer yang ditimbulkan oleh Courbet dengan terampil. Ini adalah gambar yang menarik, dilukis dengan otot dan konsentrasi terlepas dari bayangannya, karya itu memancarkan rasa kedekatan yang mendalam, kehidupan. Ada kemungkinan juga bahwa kecenderungan revolusioner Courbet tidak sepenuhnya dibatalkan - berbagai penulis telah menyarankan bahwa buah delima yang tampaknya jinak yang meringkuk dengan nyaman di antara apel memberi tahu: kata Prancis untuk delima adalah 'granat'.

Saat dibebaskan dari penjara pada tahun 1872, Courbet menyerahkan dua lukisan benda mati ke Salon. Keduanya ditolak. Ketika Ernest Meissonier - yang terkenal dengan lukisan Napoleon I yang memujanya dan adegan pertempuran heroik - mengumumkan pengecualian Courbet, dia menyombongkan diri bahwa 'salon harus menyatakan Courbet mati'. Keputusan diambil untuk membangun kembali Kolom Vendôme dan Courbet, yang bangkrut, diperintahkan untuk membayar biayanya. Untuk menghindari kebangkrutan, dia melarikan diri ke Swiss, di mana dia meninggal karena penyakit yang berhubungan dengan alkohol pada tahun 1877, hanya beberapa hari setelah semua yang ada di studionya di Paris dijual untuk umum.

Ketika saya masih muda, saya bepergian ke Barcelona dengan seorang teman. Kami sangat ingin melihat karya Picasso dan Miró dan Goya dan semua pelukis besar Spanyol lainnya, tetapi yang paling saya ingat adalah pameran benda mati oleh seorang Italia: Giorgio Morandi. Saya tidak ingat di mana pertunjukan itu diadakan tetapi saya memiliki ingatan yang jelas tentang betapa itu mengganggu saya. Saya tidak mengerti mengapa seseorang menghabiskan seumur hidup untuk melukis sesuatu yang tampaknya sama berulang-ulang atau menemukan gambar yang sederhana dan berulang-ulang itu menarik. Tapi seiring perjalanan saya, saya terus memikirkan lukisan-lukisan itu. Tidak berlebihan untuk mengatakan bahwa mereka akhirnya menjadi semacam obsesi: Saya jatuh cinta dengan studi Morandi yang tenang dan bermata jernih tentang hubungan antara hal-hal sederhana — terukur, sentuhan melankolis, anehnya indah, samar-samar lelah tetapi sangat banyak yang hidup. Ketika saya kemudian belajar melukis, rasa hormat saya terhadap seniman tumbuh: Saya menemukan bahwa menciptakan sesuatu secara bersamaan yang begitu kompleks namun tampaknya tanpa usaha mungkin adalah hal yang paling sulit dari semuanya. Saya tertarik dengan tindakan penyeimbang Morandi — cara dia mempelajari seni masa lalu (terutama para pelukis awal Renaisans, seperti Piero della Francesca) untuk menemukan cara baru dalam membuat seni. Karyanya membawa saya pada tulisan-tulisan John Cage, yang, dengan caranya sendiri, tampaknya sedang mengeksplorasi sesuatu yang serupa. Diktum komposer yang terkenal - 'Jika ada sesuatu yang membosankan setelah dua menit, cobalah selama empat menit. Jika masih membosankan, maka delapan. Kemudian 16. Kemudian 32. Akhirnya orang menemukan bahwa itu sama sekali tidak membosankan.’ — bisa saja ditulis untuk, atau tentang, Morandi.

Saya tidak pernah repot-repot menyelidiki kehidupan Morandi secara mendalam — detailnya tampak asing dari fakta esensial lukisan itu. Saya tahu, tentu saja, bahwa dia menjalani seluruh hidupnya dengan saudara perempuan dan ibunya di Bologna, jarang bepergian dan memimpin kehidupan biara di studionya, di mana dia bekerja selama 50 tahun, menciptakan 1.350 lukisan dan 133 lukisan. Saya juga tahu bahwa dia menolak untuk membiarkan lapisan debu tebal yang telah menempel pada pengaturan objek di studionya diganggu — dia menghargai caranya memberikan kelembutan pada permukaan yang keras, dan menyebarkan warna ke dalam warna halus dan pudar dari zaman kuno. lukisan dinding. Lukisan-lukisan yang dia buat selama tahun-tahun Perang Dunia II yang mengerikan, tampaknya jauh dari kengerian di sekitarnya, menurut saya, seperti suar kecil kewarasan di dunia yang gila. Dia adalah seorang pria yang mengambil sesuatu perlahan-lahan datang secara alami, menyatakan dalam satu wawancara bahwa: 'Butuh waktu berminggu-minggu untuk memutuskan kelompok botol mana yang akan cocok dengan taplak meja berwarna tertentu. Kemudian saya membutuhkan waktu berminggu-minggu untuk memikirkan botol itu sendiri, namun seringkali saya masih salah memilih spasi. Mungkin saya bekerja terlalu cepat?’

Baru-baru ini saya menemukan bahwa, pada 1920-an, Morandi adalah anggota gerakan Strapaese sayap kanan, sebuah cabang dari fasisme Italia arus utama yang merayakan estetika pedesaan, lokal, anti-Modernis. Pada tahun 1928, ia menulis dalam jurnal partai, L'Assalto (The Assault): 'Saya memiliki banyak keyakinan pada Fasisme sejak firasat pertamanya, keyakinan yang tidak pernah surut, bahkan di saat-saat tergelap dan paling kacau.' Mussolini membeli beberapa lukisan yang dipamerkan Morandi di Venice Biennale 1928 sang seniman juga berpartisipasi dalam pameran yang diselenggarakan oleh serikat seniman fasis lokal dan serikat pembuat grafis fasis, yang membantunya menjual karyanya. Seperti yang ditulis Janet Abramowicz di Giorgio Morandi: Seni Keheningan (2005): ‘Tidak ada ambiguitas tentang pernyataan Morandi tentang keyakinannya pada fasisme.’ Tiba-tiba, ketertarikan Morandi pada ketertiban, dan ketertarikannya pada masa lalu Italia, tampak menyeramkan.

Setelah perang, Morandi mengecilkan fasisnya setelah reputasinya muncul tanpa cedera, dilindungi oleh apa yang dianggap sebagai keterpencilannya yang hampir suci dari keasyikan duniawi dan oleh penguasaannya terhadap genre yang tampaknya jinak, yang dia saring menjadi abstrak — dan dengan demikian, secara implisit apolitis - studi tentang bentuk dan warna dalam ruang. Kehidupan benda mati yang kecil, tidak bersuara, dan kabur, tampaknya, adalah kebalikan dari nafsu darah dan ledakan kaum Futuris, yang bagi mereka fasisme tampaknya dibuat khusus.

Mengetahui apa yang sekarang kita ketahui tentang Morandi memperumit melihat lukisan, gambar, dan lukisannya. Ini menimbulkan pertanyaan kuno: apakah mungkin untuk benar-benar tergerak oleh seorang seniman yang politiknya menurut Anda menjijikkan? Itu adalah sesuatu yang tidak pernah bisa saya jawab secara memadai. Apakah tidak menyukai Richard Wagner, katakanlah, mendistorsi musik fenomenal yang dia tulis? Saya harus mengatakan tidak — korelasi antara kompleksitas pendengaran dan opini politik menolak klasifikasi yang mudah. Dalam kasus Morandi, tidak ada - bahkan seniman itu sendiri - tidak dapat mengurangi keindahan lukisan yang tipis dan halus. Politiknya mungkin preman, tetapi pekerjaannya sama sekali tidak. Ini bertindak sebagai pengingat perangkap membingungkan keindahan dengan kebaikan, atau penemuan radikal dengan nilai moral. Seperti yang pernah diamati Morandi sendiri: 'Saya percaya bahwa tidak ada yang lebih abstrak, lebih tidak nyata, daripada apa yang sebenarnya kita lihat.' Dia bisa saja berbicara tentang mitosnya sendiri.

Pada tahun 1927, seniman dan penulis Australia Margaret Preston membuat cetakan potongan kayu yang meriah, Bunga Asli. Pada saat itu, dia tinggal di pinggiran pelabuhan Mosman di Sydney dan foto-foto yang dia buat mencerminkan kelimpahan semi-tropis yang subur di mana dia menemukan dirinya. Sebuah split, pepaya oranye terang menyeimbangkan di piring dengan pisang vas putih diisi dengan seikat bunga Australia termasuk sikat botol, lonceng natal dan waratah. Dicetak di atas kertas Jepang dan diwarnai dengan tangan, hampir sangat cerah. Bentuk diratakan dan kontras nada ditingkatkan, disederhanakan, dan dipanggang matahari — ini seperti potret Modernisme Eropa yang sedang berlibur, menikmati cahaya Antipodean yang panas.

Pada tahun 1923, dalam sebuah esai berjudul 'Mengapa Saya Menjadi Orang yang Berkonversi ke Seni Modern', Preston menulis dengan sedih: 'Australia adalah tempat yang bagus untuk berpikir. Galeri-galeri dipagari dengan sangat baik. Teater dan bioskop dipagari dengan sangat baik […] Universitas-universitas dipagari dengan sangat baik […] Tradisi berpikir untuk Anda, tetapi Surga! Sungguh membosankan!’ Pada saat itu, seni akademis Australia tetap terikat pada tradisi Eropa, adalah hal yang biasa bagi orang kulit putih Australia untuk menyebut Inggris sebagai 'rumah', bahkan jika mereka belum pernah ke sana, dan seni Aborigin hanya menarik bagi para antropolog. Namun, antara tahun 1904 dan 1919, Preston pernah belajar di Paris, membenamkan dirinya dalam cetakan Jepang, melihat lukisan Gauguin dan membuat cetakan di Roger Fry. Bengkel Omega, serta bepergian ke Cina, Kepulauan Pasifik, dan Timur Tengah. Dalam mengejar Modernisme yang tumbuh di dalam negeri, ia berulang kali kembali ke kehidupan diam, menggabungkan gambar bunga asli dengan gema Modernisme Eropa, seni Aborigin dan Asia, untuk mengeksplorasi kemungkinan bahasa yang spesifik untuk benua tersebut. Seperti yang dia tulis di Seni dan Australia in 1929: ‘Why there are so many tables of still life in modern paintings is because they are really laboratory tables on which aesthetic problems can be isolated.’

Preston had her first major exhibitions in Sydney and Melbourne in 1925, with her friend and fellow artist, Thea Proctor. The shows were a hit. The effect of Preston’s seductive, vivid prints, all of which she framed in Chinese red lacquer, cannot be underestimated: the Australian public was brought around to the possibility that local flowers — in other words, local concerns — were as valid a subject as European imports. Proctor declared that Preston had ‘lifted the native flowers of the country from the rut of disgrace into which they had fallen’.

In later years, Preston became increasingly interested in Aboriginal art, quoting from it and reinterpreting it for her own ends, travelling to remote sites and incorporating indigenous motifs into her work. Her prints became more schematic, larger, less colourful she began to represent flowers not cut in vases but wild, in their natural state. As with all experiments, she wasn’t always successful, and her quotation of Aboriginal art remains contentious — some critics see it as, however well-meaning, a superficial appropriation of a complex language she had no right to employ, while others believe that it reflects a ground-breaking acknowledgement of indigenous art’s spiritual connection to the country.

In an article titled ‘What Do We Want for the New Year?’, published in Woman magazine in 1953, Preston wrote: ‘It has been said that modern art is international. But as long as human nature remains human every country has its national traits. It is important for a great nation to make a cultural stand […] My wish is to see a combined attempt by our artists to give us an art that no other country in the world can produce.’ When she died in 1963, at the age of 88, Preston had produced more than 400 prints. When I was growing up in Canberra, just about everyone I knew had a reproduction of a Preston print somewhere in the house. In fact, even now, I have a postcard of one of her still lifes stuck to my mirror.

In the summer of 1995, the young German photographer Wolfgang Tillmans took this photograph, summer still life. It’s a casual, familiar scene: a plate of cherries, strawberries, blueberries, grapes, a tomato and a peach a pile of magazines and a newspaper a lighter, a bottle with a twig stuck in it, a small pot plant, all balanced on a narrow, slightly grubby shelf by a window. The image is suffused with a soft, clear light and inflected with a faint weariness. I imagine that it was taken on a cool summer morning, perhaps with the kind of hangover that makes the world appear both dreamier and more vivid than usual.

Tillmans moved to London in the late 1980s and worked for fashion magazines, including i-D, Wawancara dan The Face. His earliest photographs — the ones that made him famous — are seemingly casual studies of friends and lovers, often interacting in ways that might initially seem shocking — urinating on a chair, examining each other’s genitals, looking up a skirt, climbing a tree — but which are oddly tender. Tillmans is a great chronicler of desire in its myriad manifestations. He evokes the complexities of modern life with the lightest and most elegant of touches, even when he’s focusing on, say, the detritus of a kitchen, the aftermath of a party or the abstraction inherent in a roll of paper. It could be said that relationships are the lifeblood of his pictures — not just those between humans, but between the objects that humans rely upon, and what these objects say about the humans that use them. In an interview published in frieze in 2008, Tillmans declared: ‘I trust that, if I study something carefully enough, a greater essence or truth might be revealed without having a prescribed meaning.’ What this meaning might be is, of course, intentionally elusive: the simplest of actions — even eating fruit on a summer morning — can allude to things beyond our immediate understanding.

Tillmans has always been interested in mining exhausted genres because — conversely — of their seemingly unlimited capacity to move people. So it is with still life. In this, his work fits neatly into a long lineage of the genre’s sustained meditation on the culture of the table, and on the disarray that lurks at the heart of order. Fruit rots, a knife tumbles to the floor, the person who placed these things on this shelf has gone away or died.

Tillmans’ still lifes are, as all still lifes are, vivid snapshots of a certain moment in time. Take this image. Summer still life reveals a casual internationalism in the choices of reading matter: Wawancara magazine, the German publication Stern dan The New York Times, with its headline ‘Experiment in Green’ just visible. Yet, despite its initial relaxed air, the image is carefully composed: the bright red tomato spins at the centre of a cosmos of pinks, greens and deep purples. Life, the image seems to declare, might be made of real surfaces, but abstraction liberates and illuminates the innate enigma of its components.

Every still life is more than the sum of its parts: who is reading these papers, eating this fruit, staring out of these windows? What Tillmans has done here is not so very different from the unknown painter who picked up his or her brushes, and decided to paint a bowl of peaches on a wall in Herculaneum around 2,000 years ago. The image reiterates: life doesn’t stop at the edge of the picture. It’s where it begins.


British Museum explores domestic life in Pompeii

When Mount Vesuvius erupted in AD79, showering hot volcanic ash on to Pompeii and Herculaneum, it created a time capsule that lay undiscovered for almost 1,700 years.

Among the treasures that have emerged from the buried streets and houses is a fresco of the bakery owner Terentius Neo and his wife (see picture).

He grips a papyrus scroll with a wax seal. She holds a stylus to her chin and carries a writing tablet. Both gaze out from the painting with large, almond-shaped eyes.

The double portrait - the only one of its kind to have been found in the area - is one of the highlights of the British Museum's Life and Death in Pompeii and Herculaneum which opens this week.

Paul Roberts, the exhibition's curator, says the painting offers a unique insight into the life of Pompeii's citizens in the 1st century AD.

"The baker and his wife are shown as good Romans, the scroll and the stylus shows they are literate and cultured. But the most important thing is that they seem to be treated as equal partners.

"She is standing slightly forward of him: this is not a subservient image of a woman. In this business, she's the one holding the reckoning tablet."

After five years of preparation, Roberts has brought together 400 objects that focus on the lives - and deaths - of the citizens of Pompeii and Herculaneum. It is the first time the British Museum has dedicated a show to the two ill-fated cities.

Most of the works have come to London as a result of close collaboration with the Archaeological Superintendency of Naples and Pompeii. Many have never travelled outside Italy before.

With the focus on domestic - rather than city - life, the exhibition's more unusual items include kitchen perishables such as figs, dates, walnuts and onions. There is even a loaf of bread that had been baking in the oven as the city was engulfed by ash.

"I think visitors will be interested in the similarities between Roman domestic life and today," says Roberts.

"I want people to come away feeling that they got closer to the Romans here than they do by watching films that have gladiators."

Objects are displayed within rooms that recreate the lay-out of a typical house in Pompeii or Herculaneum. Items of furniture on view include a linen chest, a garden bench and a baby's crib that still rocks on its curved feet.

The exhibition includes casts from Pompeii of some of the victims of the eruption. About 1050 bodies have so far been discovered in Pompeii. The ash hardened around their corpses, which rotted away to leave body-shaped voids from which casts have been made.

One of the first objects in the exhibition is the plaster cast of a struggling dog. The final section includes a family of two adults and their two children huddled together in their last moments under the stairs of their villa.

The British Museum has put an age warning on some exhibits - such as a statue of the god Pan having sexual intercourse with a goat - to reflect the explicit imagery that was an accepted feature of ancient Roman culture.

What of the smallest room in the house? The exhibition features two bedroom potties but Roberts notes that the toilet was usually situated in the kitchen - a convenient disposal point for both food and human waste.

"They threw everything down the toilet. When we were photographing the houses for the catalogue I was amazed at how many times youɽ find the big cooking platforms right next to a depression which is all that remains of the hole that goes down to the septic tank."

In 2007 archaeologists in Herculaneum found a huge cesspit containing toilet and household waste that had been deposited in the decade before it was sealed by the eruption.

"There were 750 sacks of human waste, as you might expect," explains Roberts, "but what they didn't expect was the massive quantity of pots and pans and jewellery and terracotta statuettes.

"What I like about this exhibition is that as a museum of art and archaeology we have beautiful mosaics and the painting of the baker and his wife - but we also have the contents of a drain!"

Life and Death in Pompeii and Herculaneum opens at the British Museum on 28 March and runs until 29 September. Cinema broadcast Pompeii Live takes place on 18 and 19 June.


Pompeii's most amazing fresco returns to its former glory! Scientists use lasers to remove stains on stunning 2,000-year-old painting of a hunting scene in the garden of the House of the Ceii

  • he fresco depicts ornate hunting scenes with lions, leopards and a wild boar
  • It looked over a garden belonging to the magistrate Lucius Ceius Secundus
  • Like the rest of Pompeii, it was buried by the eruption of Mount Vesuvius in 79 AD
  • Poor maintenance since the house was uncovered in 1913󈝺 saw the fresco fade
  • However, it has been painstakingly restored and protected against rainwater A stunning fresco in the garden of Pompeii's Casa dei Ceii (House of the Ceii) has been painstakingly laser-cleaned and touched up with new paint by expert restorers.

The artwork — of hunting scenes — was painted in the so-called 'Third' or 'Ornate' Pompeii style, which was popular around 20󈝶 BC and featured vibrant colours.

In 79 AD, however, the house and the rest of the Pompeii was submerged beneath pyroclastic flows of searing gas and volcanic matter from the eruption of Vesuvius. Poor maintenance since the house was dug up in 1913󈝺 saw the hunting fresco and others deteriorate, particularly at the bottom, which is more vulnerable to humidity.

The main section of the fresco depicts a lion pursuing a bull, a leopard pouncing on sheep and a wild boar charging towards some deer.

A stunning fresco in the garden of Pompeii's Casa dei Ceii (House of the Ceii) has been painstakingly laser-cleaned and touched up with fresh paint by expert restorers

The main section of the fresco depicts a lion pursuing a bull, a leopard pouncing on sheep and a wild boar charging towards some deer. Pictured, the art is touched up near the bull's hooves

In 79 AD, the House of the Ceii and the rest of the Pompeii was submerged beneath pyroclastic flows of searing gas and volcanic matter from the eruption of Vesuvius — as depicted in the English painter John Martin's 1821 work 'Destruction of Pompeii and Herculaneum', pictured

Frescos commonly adorned the perimeter walls of Pompeiian gardens and were intended to evoke an atmosphere — often one of tranquillity — while also creating the illusion that the area was larger than in reality, much as we use mirrors today.

'What makes this fresco so special is that it is complete — something which is rare for such a large fresco at Pompeii,' site director Massimo Osanna told The Times.

Alongside the hunting imagery of the now restored fresco, with its wild animals, the side walls of the garden featured Egyptian-themed landscapes, with beasts of the Nile delta like crocodiles and hippopotamuses hunted by with African pygmies and a ship shown transporting amphorae.

Experts believe the owner of the town house, or 'domus', had a connection or fascination with Egypt and potentially also the cult of Isis, that of the wife of the Egyptian god of the afterlife, which was popular in Pompeii in its final years. In fact, the residence has been associated with one Lucius Ceius Secundus, a magistrate — based on an electoral inscription found on the building's exterior — and it is after him that it takes its name, 'Casa dei Ceii'.

The property, which stood for some two centuries before the eruption, is one of the rare examples of a domus in the somewhat severe style of the late Samnite period of the second century BC.

The house's front façade sports an imitation 'opus quadratum' (cut stone block) design in white stucco and a high entranceway set between two rectangular pilasters capped with cube-shaped capitals.

Casa dei Ceii's footprint covered some 3,100 square feet (288 sq. m) and contained an unusual tetrastyle (four-pillared) atrium and a rainwater-collecting impluvium basin in a Grecian style, one rare for Pompeii, lined with cut amphora fragments.

The artwork — of hunting scenes — was painted in the so-called 'Third' or 'Ornate' Pompeii style, which was popular around 20󈝶 BC and featured vibrant colours, as pictured

The property, which stood for some two centuries before the eruption, is one of the rare examples of a domus in the somewhat severe style of the late Samnite period of the second century BC. The house's front façade sports an imitation 'opus quadratum' (cut stone block) design in white stucco and a high entranceway set between two rectangular pilasters capped with cube-shaped capitals, as pictured

Other rooms found inside the property included a triclinium, where lunch would have been taken, two storage rooms, a tablinum which the master of the house would have used as an office and reception room and a kitchen with latrine.

An upper floor, which partially collapsed during the eruption, would have been used by the household servants and appeared to be in the process of being renovated or constructed at the time of the catastrophe.

The garden on whose back wall was adorned by the hunting fresco, meanwhile, featured a canal and two fountains, one of a nymph and the other a sphynx.

During the excavation of the townhouse, archaeologists found the skeleton of a turtle preserved in the garden.

The recent restoration work saw the paint film of much of the fresco — particularly a section featuring botanical decoration — carefully cleaned with a special laser. Experts also carefully retouched the paint in areas of the fresco that had been abraded over time, as well as instigating protective measures to help prevent the future infiltration of ra


Opening hours Herculaneum 2021 (excavation)

In summer (April to October) from 8:30 to 19:30. In winter from 8:30 to 17. These opening hours of the Herculaneum apply to every day of the week. Only 2 days a year are closed (1st Christmas Day and New Year’s Day). There is often a lot going on, it is worth buying tickets in advance on the Internet.

>>> On this link you can find online-tickets for the Herculaneum

Arrival by public transport Herculaneum

The Circumvesuviana narrow-gauge railway stop is about 400 metres from the entrance. The station is called “Ercolano Scavi”. This means “Herculaneum excavation”. Two lines run here: The line from Naples to Sorrento and the line from Naples via Pompeii to Pomigliano. From Naples there are about 3 trains per hour, from Sorrento 2 trains per hour and from Pompeii city train station one connection. The other station of Pompeii “Skavi” is located on the line to Sorrento and has about 2 connections per hour to the Herculaneum.

From the station “Ercolano Scavi” go straight down the street. After 400 meters you are at the entrance of the excavation of Herculaneum. The road is also signposted.

Our other articles about Pompeii and Herculaneum

Pompeii general info (like overview, directions, admission fees, opening hours…)

Pompeii baths (thermal baths)

Theaters Pompeii (the 3 big theaters)

Bus tours Pompeii (from nearby resorts, Naples and Rome)

Corpses Pompeii: All about Corpses and Dead in Pompeii and Herculaneum


Hello Perdix, You Old Friend

Today Narayan Nayar and I took the train to Pompeii to look at a fresco that features Perdix, a Roman workbench and some adult content suitable for Cinemax. (“Oh my, I don’t think I have enough money for this pizza.” Cue the brown chicken, brown cow soundtrack.)

As we got off the train, my heart was heavy with dread. Yesterday, our visit to Herculaneum blew my mind but was disappointing in one small way: The House of the Deer was closed that day to visitors. The House of Deer had once housed a woodworking fresco that has since been removed and has since deteriorated. So all I was going to get to see was the hole in the wall where the fresco had been.

So as I got off the train this morning, I fretted: What if the House of the Vettii is closed? After a not-quick lunch that involved togas (don’t ask), Narayan and I made a beeline to the House of the Vettii. And as I feared, its gate was locked. The structure is in the midst of a renovation and was covered in tarps and scaffolding.

I peered through the gate and saw someone moving down a hallway inside. He didn’t look like a worker. He looked like a tourist. Then I saw another tourist.

We quickly figured out that a side entrance was open and they were allowing tourists into a small section of the house. I rushed into that entryway and waved hello to Priapus. After years of studying the map of this house I knew exactly where to go. I scooted past a gaggle of kids on spring break and into the room with the fresco I’ve been eager to see for too long.

It’s a miracle this fresco has survived – not just the eruption of Vesuvius but also the looters and custodian that decided (on behalf of Charles III) which images to keep and which ones to destroy. (Why destroy a fresco? According to the Archaeological Museum of Naples, many were destroyed so they didn’t get into the hands of “foreigners or imitators.”) The royal collection preferred figurative scenes or ones with winged figures. For some reason, this one stayed in place and has managed to survive.

Narayan spent the next 40 minutes photographing the fresco in detail. The photos in this blog entry are mere snapshots I took with my Canon G15. His images will be spectacular.

OK, enough babbling. I need some pizza. Thank goodness they’re only about 4 Euro here.